Para un artista que murió hace más de un siglo, Paul Cezanne tiene una forma única de sentirse perpetuamente nuevo. Era un nómada artístico, tanto dentro como fuera del movimiento impresionista y uno literal también, arrastrando los pies entre París y su Aix-en-Provence natal. Después de su muerte en 1906, su nombre se convirtió en un grito de guerra modernista, sus obras fueron recopiladas con celo por artistas como Paul Gauguin, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas y Camille Pissarro.

Una nueva retrospectiva actualmente en tránsito desde el Art Institute of Chicago hasta la Tate Modern se basa en detalles biográficos menos conocidos sobre este artista iconoclasta. Por ejemplo: la exposición deletrea el nombre de Cezanne sin el acento sobre la primera "E", tal como lo firmó. La “É” acentuada, argumentan los curadores, habría sido un vestigio de un dialecto parisino más urbano; la propia falta de acento escrito de Cezanne refleja su lealtad al dialecto provenzal de la época. (Estilizaremos el nombre del artista de la misma manera aquí).

A continuación, se presentan 8 obras de arte emblemáticas de Cezanne incluidas en la retrospectiva, seleccionadas por los curadores de la exposición.

1) The Artist's Father, Reading “L’Événement” (1866)

Durante gran parte de su carrera, Cezanne no se sintió atraído por los lienzos a gran escala. La excepción a esta regla es sufamosa: Les Grandes Baigneuses, que se encuentran en su estudio después de su muerte. Después de Les Grandes Baigneuses, sin embargo, su pintura más grande fue este primer retrato de su padre Louis-Auguste Cezanne, con el ceño fruncido y sentado torpemente en un sillón gris.

Podría haber sido la pintura más confesional que Cezanne haya creado jamás. A pesar de ofrecerle apoyo financiero a su hijo y construirle un estudio en Bastide du Jas de Bouffan, Louis-Auguste desaprobaba las actividades artísticas de Cezanne, y la relación entre los dos siguió siendo inestable durante toda la vida de Cezanne. Esta pintura refleja la tensión entre los dos y anhela, en vano, su redención: Louis-Auguste está de espaldas a Sugar Bowl, Pears, and Blue Cup (1865-1870), una naturaleza muerta entonces reciente pintada por Cezanne, y está leyendo L'Événement, un periódico de corta duración que defendió el impresionismo francés desde el principio. En realidad, Louis-Auguste se suscribió a otra publicación.

“Cezanne está entronizando a su padre, pero al mismo tiempo se está insertando a sí mismo”, dice Gloria Groom, presidenta de pintura y escultura europea en el Art Institute y una de las principales curadoras de “Cezanne”.

2) Auvers, Panoramic View (1873–1875)

Auvers-sur-Oise, al noroeste de París, se convirtió en una especie de meca de los artistas en el siglo XIX gracias al Dr. Paul Gachet, un médico que fue uno de los primeros impulsores de los impresionistas. Vivió en el edificio blanco con forma de torre que se encuentra en la parte superior izquierda de esta composición, que Cezanne pintó durante su primera estadía larga en Auvers por invitación de Pissarro. La decisión de Cezanne de pintar este lugar habría señalado su proximidad a los impresionistas de adentro.

Apropiadamente para el escenario, Cezanne parece más libre para experimentar aquí que en trabajos anteriores. “Está claro que algo hizo clic para Cezanne. Está encontrando una forma nueva y más constructiva de ensamblar una imagen y poner marcas en la superficie”, observa Caitlin Haskell, curadora de arte moderno y contemporáneo en el Instituto de Arte. “Dentro de este lienzo, hay tal vez siete enfoques diferentes para aplicar pintura, y hay partes de las líneas del techo donde se ven estas estructuras en ángulo que comienzan a entrelazarse entre sí”.

3) The Smoker (1890)

En el momento en que se completó este retrato, Cezanne se había ido de París a Aix, donde su arte también tomó una inclinación conservadora y bucólica. Recurrió a los jornaleros locales como nuevos sujetos, incluido este hombre anónimo, que también parece aparecer en The Card Players (1890-1892) de Cezanne.

Sin embargo, Groom enfatiza que el “conservadurismo” de Cezanne durante este período se extendió solo al género, no a la ejecución. La intimidad de este retrato de una sola figura solo enfatiza las cualidades sutilmente fantásticas de esta pintura, como la pose algo artificial de la figura; el extraño ángulo de la superficie sobre la que se apoya; y motas en el fondo y la ropa del sujeto donde Cezanne “se niega a añadir una pincelada más de color”.

“Nada funciona realmente como un retrato realista”, dice Groom. “El resultado final es que este hombre no tiene un lugar de descanso, en realidad no está posicionado de una manera que pueda existir en la vida real”.

4) Still Life with Apples (1893-1894)

En sus últimas naturalezas muertas, Cezanne reclutó un "elenco" rotativo de temas: un jarrón verde, una botella de ron, un tarro de jengibre, un grupo de manzanas. Sus bodegones alcanzaron su apoteosis en la década de 1890, haciéndose eco de las sutiles imposibilidades de sus otras obras de la época. Para Groom, este espécimen, pintado en su casa en Aix, parece particularmente "ganado con esfuerzo".

“Hay una increíble intensidad de enfoque, casi pictorialista, casi realismo surrealista”, dice. “Hace estos tejidos casi topográficos, tomando prestado de la forma en que trata los paisajes, con estas grietas profundas y montañas y canteras exageradas. Mira el mantel blanco, que ves una y otra vez, con esas curvas cavernosas y pliegues imposibles. La tela no solo hace eso”.

Ese carácter milagroso se extiende también a otras partes de la composición. “Es imposible que las manzanas se queden como están, inclinadas hacia arriba. Nada puede quedarse.”

5) Mont Sainte-Victoire seen from the Bibémus Quarry (c. 1895-1899)

Este lienzo combina dos fijaciones centrales en los paisajes de Cezanne: la Montagne Sainte-Victoire, la cresta de piedra caliza visible desde la casa de Cezanne en Aix-en-Provence, y la cercana cantera de Bibémus, un sitio minero de ocre desaparecido. Está pintado desde una perspectiva casi subterránea, mirando hacia el pico detrás de los muros de piedra bermellón cubiertos de maleza de la cantera.

La pintura se exhibió en la primera retrospectiva póstuma de Cezanne en el Salon d'Automne en 1907, solo un año después de su muerte. El impacto fue explosivo. “Podría decirse que es una de las exposiciones más importantes de todo el siglo XX, porque realmente es un punto de inflexión”, dice Haskell, del Instituto de Arte. “Dentro de un período de tiempo muy corto, ya comienzas a ver indicios de que cosas como el cubismo están teniendo lugar en el trabajo de otros artistas de vanguardia, a saber, Picasso y Georges Braque”.

6) Les Grandes Baigneuses (c. 1894-1905)

De los muchos estudios de Cezanne sobre desnudos reclinados bañándose, en los que trabajó a lo largo de siete a diez años, esta pintura es la más famosa. En poder de la Galería Nacional de Londres, se cree que es el primer Cezanne realizado sobre el tema.

Investigaciones recientes muestran que parte de este lienzo se pintó húmedo sobre húmedo, lo que significa que las capas de pintura se aplicaron con bastante rapidez. “Al aplicar inmediatamente una capa nueva a la pintura antes de que se seque, crea protuberancias en la superficie”, dice Sidlina, curadora de la Tate.

La misma investigación parece indicar que Cezanne cambió el tamaño de sus lienzos en numerosas ocasiones a lo largo de la serie. “Para un artista que era un verdadero hijo de la revolución impresionista y le gustaba trabajar a partir de lienzos confeccionados, manipular el lienzo en sí a esta escala significaba que era clave para él obtener las dimensiones y proporciones que quería, tanto que que no le importaba que se pudiera ver dónde se añadían los lienzos o dónde estaban los márgenes”, dice Sidlina.

7) The Three Skulls (1902- 1906)

En los últimos años de su carrera, Cezanne recurrió a las acuarelas casi con tanta frecuencia como al óleo, algo raro para un medio relegado durante mucho tiempo al ámbito de los estudios preliminares. Podemos ver de primera mano cómo apreciaba ambos medios en esta acuarela, que tiene un análogo al óleo (Three Skulls on a Patterned Carpet, 1904).

The Three Skulls es inusualmente grande para una acuarela; eso, junto con la plétora de calaveras que Cezanne pintó en los últimos años de su vida, podría alentar a los espectadores a asumir que Cezanne estaba obsesionado con su propia mortalidad. Pero Haskell señala que las calaveras no solo eran un tema antiguo para Cezanne (pintó Naturaleza muerta con calavera, vela y libro ya en 1866), sino un tema antiguo en el arte, con antecedentes evidentes en las tradiciones holandesas de naturaleza muerta. Cezanne tampoco estaba enfermo ni preocupado por su propia muerte inminente.

Entonces, llámalo una coincidencia morbosa, si es hermosa. “Realmente es un memento mori, pero es luminoso, colorido y maravilloso de ver”, dice Haskell.

8) The Gardener Vallier (c. 1906)

Al igual que Les Grandes Baigneuses, The Gardener Vallier fue descubierto en el estudio de Cezanne cuando murió. Fue una de las últimas pinturas en las que trabajó Cezanne, y casi con seguridad el último retrato. Es uno de los seis retratos que Cezanne pintó de su jardinero y manitas en Jas de Bouffan, obras que, incluso tomadas solas, demuestran la extraordinaria amplitud estética y técnica de Cezanne.

Este retrato radical marca un hito no solo por su inclinación hacia la abstracción, sino también por las observaciones de Cezanne sobre la luz natural. Durante gran parte de su vida, había pintado a sus modelos en interiores, donde el espacio y las condiciones podían controlarse estrictamente; aquí, Vallier se sienta bajo un tilo que aún se encuentra afuera del estudio de Cezanne. Esta obra está realizada al óleo, pero los trazos son ligeros y aireados; se parece mucho más al retrato en acuarela que Cezanne creó de Vallier en la misma época, aparentemente en la misma silla y permitiendo que el lienzo se convirtiera en parte de la composición.

¿Los espacios en blanco implican que Cezanne no había terminado con las obras? Quizás; pero Sidlina nos advierte que no asumamos tal cosa. Al fin y al cabo, estamos hablando de un artista cuyo acercamiento al lienzo fue mucho más profundo.

Cezanne hablaría de “les sensations” y “les réalisations”, o el cumplimiento de esas sensaciones. Y para él "la obra de arte realizada no se consideraba necesariamente cada pedazo de lienzo cubierto”, dice Sidlina. “Todo fue obra terminada; todo fue trabajo realizado.”

Siempre es gratificante descubrir algo nuevo aún de artistas que creemos completamente estudiados y sin nada nuevo que ofrecer al mundo del arte, por ello disfrutamos traduciendo de este artículo y decidimos compartirlo.

*Editado y traducido. Fuente: ARTnews