Muchas veces visitamos espacios artísticos para despejarnos, envolvernos en la creación de otras personas, descubrir su percepción de la vida o encontrar inspiración. Sin embargo, hay obras que dependen de la participación activa del espectador para existir. A la forma de arte en donde se involucra directamente a la audiencia en el proceso creativo, se le conoce como arte participativo. Este término no tiene origen en un momento exacto ni de una sola persona. Encontramos antecedentes en las performances futuristas y dadaístas de principios de siglo XX, creadas para provocar y escandalizar.

Marcel Duchamp decía que el arte depende tanto de quien lo mira como del artista; este pensamiento surge para contraponerse a la convención histórica que concebía al espectador como un sujeto pasivo, limitado a contemplar una obra ya concluida por el artista. A finales de los años cincuenta varios artistas comenzaron a realizar performances y happenings que llevaban esta premisa de Duchamp a su máxima expresión; terminando de consolidar este concepto.

A continuación, se presentan algunas obras para comprender mejor esta forma de arte y la importancia del público como sujeto creador.

“El tendedero”

En 1978 Mónica Mayer, una de las primeras artistas en interesarse y tomar postura en relación con el feminismo en México, convocó a 800 mujeres a completar la frase: “Como mujer lo que más me disgusta de la ciudad es…” en pedazos de papel rosa. Cada respuesta se colocaba sobre una estructura que sugería la forma de un tendedero; referencia a una actividad cotidiana que se asocia a lo femenino. A medida que las mujeres participaban, la pieza empezaba a adquirir sentido y construía una narrativa colectiva de expresión que abría el diálogo sobre la violencia que viven las mujeres en espacios públicos. El impacto de esta obra ha hecho que se active en más ocasiones y en distintos lugares, utilizando frases detonadoras relacionadas con problemáticas feministas.

“Divisor”

En la búsqueda de incentivar el modo de creación conjunta y el ejercicio de libertad creativa, Lygia Pape crea Divisor, presentado por primera vez en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1968. En este trabajo, la participación del espectador es esencial para el resultado final. Consiste en una enorme tela blanca con múltiples agujeros, a través de los cuales el público asoma la cabeza. Debido a su tamaño, debe realizarse en un espacio abierto. El resultado siempre será inesperado e indefinido, pues depende de la estatura, complexión e incluso de las acciones de quienes la habitan. Es un proyecto clave que pone en evidencia aquello que solo puede construirse de manera colectiva, así como sucede en la sociedad.

“Measuring the Universe”

En un espacio totalmente en blanco y vacío surge una instalación que sin la participación activa de la gente no tendría sentido. En 2007, Roman Ondak crea esta obra a partir de la costumbre que tienen los padres con medir a sus hijos. Al ingresar a la sala, los visitantes son invitados a apoyarse en la pared y que alguien marque su altura y la etiquete con su nombre y fecha de visita; el mismo artista fue el primero en ser medido. De esta manera, después de casi tres meses se formó una franja gruesa y desigual que rodeaba las paredes de la galería. Estas marcas indican el paso del tiempo y explora la idea de cómo sería intentar medir el universo a través de las personas que lo componen.

“Yard”

La vida cotidiana como el tema principal del arte es lo que motivó a Allan Kaprow a crear esta obra en 1961, aunque él prefería llamarle actividad. Originalmente presentada en el jardín de esculturas de la Galeria Martha Jackson en Nueva York, en la cual tuvo que cubrir con papel alquitranado la colección de esculturas que se encontraba en el lugar. Consistió en llenar un espacio con cientos de neumáticos de coche, dispersos sin un orden en particular. Kaprow invitaba a los visitantes a caminar sobre ellos, interactuar y reorganizarlos libremente. Esto, en su momento fue el polo opuesto de la creencia tradicional que el arte debía ser fijo y permanente. Yard se ha rehecho varias veces en Europa y América, adaptándola a los espacios en los que se presenta.

“Arquitectura Blanda”

En 2023, en una ciudad donde hace menos de medio siglo la represión caía sobre quienes defendían derechos humanos esenciales, Constanza Hermosilla Urra desarrolló este proyecto. Lejos de idealizar la existencia humana actual y los problemas que existen, destaca la presencia colectiva de diversos tamaños, razas y estéticas a través del uso del cuerpo, la efimeridad y el textil como elemento de unión entre los participantes. Se trata de una tela roja que solo cobra vida gracias a la curiosidad de quienes se atreven a jugar y co-construirla. Hasta el momento, solo ha sido desarrollado en Santiago de Chile. Arquitectura Blanda nos invita a encontrar belleza en lo que no controlamos, aquello que no pensamos, tomar las cosas con menos seriedad y actuar en grupo; el hecho de ser adultos no implica que dejemos de jugar.

Tiene un gran mérito cuando el artista abre sus procesos creativos y cede, en cierta medida, el control de su trabajo a otros; juega con el azar y deposita su confianza en el espectador como participante. Este tipo de prácticas nos invitan a replantear nuestra relación con el arte y el papel que ocupamos frente a él. En este contexto, somos llamados a involucrarnos, tomar decisiones y compartir la responsabilidad de la obra. Ante esto, vale la pena preguntarnos si ya habíamos escuchado de este tipo de propuestas, si nos gustaría habitar un arte que se construye en conjunto y en el momento, y qué tan dispuestos estamos a dejar de ser espectadores para convertirnos en parte de la obra.

Fuentes:

Sybaris Fomento

MUAC

MoMA

Artishock

Museo Reina Sofia